INTERVIEW – Dans ses mises en scène, Allex Aguilera fait rimer puissance dramatique et forte identité visuelle. À rebours de certaines relectures conceptuelles, il développe une approche qui conjugue fidélité à l’œuvre et regard contemporain. S’il revendique une grande fidélité au livret et à la partition, il n’en propose pas moins des univers visuels profondément contemporains, où la dramaturgie et l’émotion restent toujours au premier plan. Alors qu’il s’apprête à dévoiler sa nouvelle production d’Otello à l’Opéra Royal de Wallonie-Liège ce 19 juin prochain, le metteur en scène s’est confié à nous.
Allex Aguilera, comment s’est dessiné votre parcours artistique ? Qu’est-ce qui vous a orienté vers la mise en scène d’opéras ?
Mon parcours s’est construit à travers plusieurs disciplines artistiques. J’ai d’abord étudié le chant, ce qui m’a permis de découvrir l’opéra de l’intérieur, au plus près de la relation entre la musique et les interprètes. J’ai ensuite suivi une formation en réalisation cinématographique à Barcelone, une expérience qui a profondément influencé mon regard sur la narration, le rythme et la construction des images.
Mes années passées au sein de grandes maisons d’opéra européennes ont ensuite confirmé mon désir de raconter des histoires à travers la scène. La mise en scène d’opéra est pour moi l’art qui réunit le plus naturellement toutes ces passions : la musique, le théâtre, l’image et l’émotion humaine. Cette approche trouve aujourd’hui un écho particulier dans Otello. Cette œuvre réunit précisément tout ce qui me passionne dans l’opéra : la puissance de la musique, la profondeur psychologique des personnages et la possibilité de créer un univers visuel capable de dialoguer avec les émotions les plus intimes.
Selon votre expérience, de quels ingrédients se compose l’alchimie d’une mise en scène d’opéra réussie ?
Je crois qu’une mise en scène réussie naît avant tout d’une écoute attentive de l’œuvre. La musique contient déjà une grande partie des réponses ; encore faut-il savoir les entendre. Ensuite viennent le travail dramaturgique, la direction d’acteurs, la cohérence visuelle et la confiance entre tous les artistes impliqués dans le projet. Mais l’ingrédient le plus important reste l’émotion. Qu’elle soit spectaculaire ou épurée, une production doit permettre au public de ressentir quelque chose de vrai et de profondément humain. Dans ma mise en scène d’Otello à Liège, j’ai cherché à mettre ces principes en pratique en construisant un spectacle où chaque élément scénique est au service du drame. Mon ambition est que le public soit emporté par l’histoire de Verdi sans jamais perdre de vue l’humanité des personnages.
Photographies de répétitions d’Otello par Allex Aguilera © Jonathan Berger – Opéra Royal de Wallonie-Liège
De quel personnage d’opéra vous sentez-vous le plus proche et pourquoi ?
Difficile question mais je dirais Tristan. J’ai eu la chance de mettre en scène Tristan und Isolde à plusieurs reprises et je m’apprête à retrouver cette œuvre pour une quatrième reprise au Théâtre Municipal de São Paulo, au Brésil. Tristan me touche par sa profondeur, ses contradictions et sa quête d’absolu. Il est constamment partagé entre le devoir et le désir, entre le monde réel et un idéal qui semble toujours lui échapper. Cette tension intérieure, qui traverse toute l’œuvre de Wagner, en fait à mes yeux l’un des personnages les plus fascinants et les plus humains du répertoire.
Même si Tristan est sans doute le personnage dont je me sens le plus proche, Otello partage avec lui une profonde fragilité intérieure. Derrière le héros admiré se cache un homme confronté à ses peurs, à ses doutes et à ses contradictions, et c’est cette dimension profondément humaine qui m’intéresse particulièrement dans la production présentée aujourd’hui à Liège.
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