DANSE – Le Joyce Theater de New York garde toujours sa porte ouverte pour le répertoire de la Martha Graham Dance Company. À l’occasion du centième anniversaire de la compagnie, trente-cinq ans après la disparition de sa fondatrice, la compagnie de danse la plus ancienne et la mieux établie des États-Unis est toujours présente, avec son héritage qui célèbre le passé et ouvre la voie à la nouveauté et à l’inconnu.
Avant le lever du rideau, la directrice artistique, Janet Eilber, prend la parole pour dire quelques mots. Il n’est pas courant qu’un spectacle soit précédé d’une explication, mais c’est peut-être essentiel lorsqu’on aborde l’univers des œuvres de Graham datant des années 1940. Dans l’introduction d’Eilber, nous apprenons que Graham s’est inspiré des sœurs Bronte et de leurs luttes au sein de la société et de la famille où elles vivaient. Le rideau se lève, et la parole se fait danse.
Danse en conscience
Deaths and Entrances a un air de déjà vu. Plus qu’une chorégraphie, la pièce ressemble à un film muet qui prendrait vie, rehaussé d’une explosion des couleurs qui ornent les costumes d’Oscar de la Renta. Les tons profonds et riches des bijoux renforcent l’ambiance et complètent les mouvements comme seuls les vraies œuvres de modes le font.
La force qui sous-tend les performances stupéfiantes des sœurs est rehaussée par l’extraordinaire musique de Hunter Johnson. Elle reprend là où Eilber s’est arrêté – en façonnant l’arc émotionnel, elle poursuit la narration et nous raconte une histoire que nous ne connaissons que trop bien. Le flux de conscience, élément central et moteur de cette pièce, gère impeccablement les entrées et sorties de scène, fusionnant les souvenirs de la petite enfance avec les passions actuelles. La performance émouvante de la sœur aînée, interprétée par Anne Souders, fait apparaître sur scène le drame psychique que Graham aimait tant expérimenter. C’est une histoire d’abstraction, une performance de l’intangible, des images qui traversent la vie sans jamais s’installer complètement. Il en va de même pour Deaths and Entrances – des souvenirs qui meurent et ressuscitent à la demande du cœur.
Les grecs sont toujours dans le coup !
S’ensuit un duo émouvant entre Xin Ying et Ethan Palma. Errand into the maze est un clin d’œil lyrique à la mythologie grecque, capturée dans l’image visuelle stupéfiante apportée au public par le décor d’Isamu Noguchi et les costumes de Graham. Le combat qui s’engage entre la lumière (Ying) et l’obscurité (Palma) résume ce que la compagnie décrit comme le labyrinthe sombre du cœur. L’acuité et la précision de Ying sont incomparables. L’amour et la peur qu’elle éprouve pour son partenaire se lisent sur son visage, brillent dans chaque tension musculaire, et s’équilibrent sur la dynamique de poussée et de traction que facilite Ethan Palma.
Les bras de Palma restent fixés autour d’un solide bâton qui, nous le verrons bientôt, ne limite pas la chorégraphie mais transforme et étend complètement le corps du danseur, dans une vision hypnotisante. Bien que ses bras restent fixes et que ses cornes lui donnent une forme moins humaine, Palma et Ying exécutent un duo dynamique, fascinant et si visuellement cohérent qu’il forme une unité avec les éléments de décor, les costumes et la musique. Si vous preniez une photo à n’importe quel moment de la représentation (ce que, soyons clairs, vous ne devez jamais faire), vous ne captureriez rien d’autre qu’une peinture abstraite – une expression de la passion et de la créativité infinie.
C’est l’heure de faire la fête !
(et de se transformer sur le plan spirituel, intellectuel et empirique – ne nous remerciez pas).
Ce n’est pas sans satisfaction que les pièces de Graham des années 1940, malgré leur indéniable beauté, n’ont pas suscité autant d’enthousiasme que la dernière pièce du spectacle. L’héritage de la compagnie reste présent dans les moindres mouvements des danseurs, mais il invite certainement à la fraîcheur et à la force avec lesquelles Hofesh Schechter chorégraphie sa Cave. Qu’est-ce que The Cave, au juste ? La pièce d’ensemble de Schechter ne peut être décrite que comme une catharsis punk. Elle invite à des formations rituelles et donne un coup de tambour battant aux tripes. Dans cette pièce faiblement éclairée, l’excellence des danseurs émerge de l’obscurité. The Cave est à la fois une pièce de théâtre, un rituel et une fête de famille.
Le moment le plus frappant survient lorsque les danseurs forment un demi-cercle et que l’on se rend compte que le public forme l’autre moitié. Vous faites maintenant partie de cette pratique spatialement simple mais évocatrice, où deux des danseurs méritent une reconnaissance particulière. Leslie Andrea Williams et Jai Perez, avec leur performance à l’intérieur du cercle. Un rugissement retentit dans l’auditorium. Nous ne sommes plus dans un théâtre, et peu importe où nous nous trouvons. Tant que nos yeux restent fixés sur leurs corps, l’impossible semble possible. La maîtrise du corps et l’énergie se reflètent dans l’aisance qui se dégage de leurs visages. Tout dans cette pièce semble naturel, dansé à partir du cœur et de l’âme, éveillant l’esprit.
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Janet Eilber exprime l’espoir de voir la compagnie durer encore cent ans, grâce aux fonds et à l’espace nouvellement reçus qui lui permettent de s’épanouir dans sa création. Osons espérer que l’enthousiasme pour leur travail ne s’estompera jamais, et que la poussée vers l’exploration et l’expérimentation mélangera continuellement l’esprit de leur passé avec l’excitation de la nouveauté. Et même si on partage la conviction que l’entreprise prospérera pendant encore un siècle, on attendra pas aussi longtemps pour être témoin de son éclat.
